ALIEN(S)

Dedicamos esta semana a una entrañable criaturita que en nuestra humilde opinión ha sido injustamente maltratada en los últimos años con innecesarias e incluso insultantes secuelas. Para reivindicar el respeto que merece un bicho con ácido en las arterias, nada mejor que recurrir a las obras originales que cimentaron su leyenda.

Exceptuando un toque de paranoia corporativa, Alien, el octavo pasajero no aportó nada estrictamente nuevo en el sentido argumental (monstruo se esconde en pasillos oscuros y va matando uno por uno a los tripulantes de una nave), pero su cuidada y fría estética, inspirada por 2001: Una odisea del espacio, un ritmo perfectamente controlado y el uso de personajes más maduros y profesionales de lo que suele ser habitual en una película de terror contribuyeron decisivamente para convertirla en una de las películas clave de dicho género y el de ciencia-ficción. Uno de los mejores trabajos de Ridley Scott, de aquellos lejanos años en los que era un ambicioso y prometedor director y no un mercenario comercial y desinteresado. Con Sigourney Weaver como Ripley; acompañándola, Ian Holm, John Hurt, y Yaphet Kotto, entre otros.

En las manos de James Cameron, Aliens: El regreso pierde gran parte de la elegancia del original, pero en su salto desde el terror a la acción gana en adrenalina y se convierte en un espectáculo tremendamente efectivo y cargado de otro tipo de suspense. Acompañada de un grupo de marines espaciales antes de que los videojuegos se adueñaran del término, la oficial Ripley regresa al planeta donde todo empezó para enfrentarse a su peor pesadilla, esta vez multiplicada por centenares. Una experiencia distinta a la de la obra de Scott, pero perfectamente complementaria e igualmente mítica. Con Michael Biehn, Lance Henriksen y Bill Paxton, habituales del director.

ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO
Jueves 3 de diciembre, a las 15:00
en la Sala Torres Quevedo (2ª planta)
Duración: 112 minutos

ALIENS: EL REGRESO
Viernes 4 de diciembre, a las 15:00
en el Salón de Actos 'Juan de la Cierva'
Duración: 148 minutos

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Próxima semana: juventud violenta.

MUSICALES MODERNOS

Pues eso: películas posteriores a los '50 en las que la gente resuelve sus problemas poniéndose a cantar y bailar cuando a ti no se te ocurriría. ¿Qué más hay que explicar?

Criticada por muchos al ofrecer poca o ninguna música original, fuente de fantasías adolescentes (¡oh, McGregor sabe cantar!), algo anacrónica, cara y de argumento sencillo pero efectivo, es posible que Moulin Rouge consiguiera resucitar el género musical ante el Gran Público. Luhrmann no ha dirigido demasiado cine, pero se le da bien esto de convertir maletines llenos de dólares en grandes espectáculos de lujo y color, poco realistas pero impactantes. Hay que ver Moulin Rouge con ganas de entretenerse, sin juzgar que la historia pueda ser previsible (al fin y al cabo está basada en 'La Bohème' y 'La Traviata'), disfrutando con el fantástico trabajo de postproducción que nos presentan. No sólo es por la música, es también divertida y visualmente 'Spectacular Spectacular'. Hasta los títulos de crédito quieren ser vistosos.

Across the universe es para los amantes de The Beatles, los que ya saben que lo son y los que lo serán tras ver la película. 33 Canciones (sí, con mayúscula) que marcaron a toda una generación se sirven de un argumento lleno de referencias al grupo de Liverpool, también cuando nadie está cantando, para llevarnos flotando de vuelta a los 60. El final de aquella década se muestra de forma algo confusa y turbulenta a veces en una historia de amor, búsqueda de libertad, drogas y más amor en la que podemos disfrutar de una psicodélica escena con la canción 'Being for the Benefit of Mr. Kite!' u otra con un grupo de jóvenes borrachos haciendo el gamberro como si fueran niños y cantando 'With a Little Help from my Friends' sin dejar de recordar que estamos ante un musical romántico. Julie Taymor habrá molestado a algunos fans al no usar las voces originales de The Beatles para su película (quizá también a algún fan de Janis Joplin, representada por el personaje de Sadie), pero tras verla creo que la mayoría coincidiremos en que 'I am the Walrus' cantada por Bono o 'I Want to Hold your Hand' por T. V. Carpio tampoco quedan tan mal. La película también cuenta con algo de denuncia social, con mensaje en contra de la guerra y la sociedad hegemonista, dejando escenas estupendas como la de la canción 'I Want You (She is so Heavy)', compartiendo de esta manera otro poco de la filosofía que hizo tan controvertido al movimiento hippie.

MOULIN ROUGE
Jueves 26 de noviembre, a las 15:00
en el Aula Magna (hangar)
Duración: 122 minutos

ACROSS THE UNIVERSE
Viernes 27 de noviembre, a las 15:00
en el Salón de Actos ‘Juan de la Cierva’
Duración: 128 minutos

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Próxima semana: alien(s).

MARTIRIO CATÓLICO MODERNO

A estas alturas, afirmar que las religiones organizadas sirven fundamentalmente como herramienta de control social no sorprenderá a nadie, y un porcentaje bastante elevado de creyentes estaría de acuerdo. No parece muy interesante revisar los ‘valores’ que habitualmente se promocionan desde instituciones eclesiásticas ni las historias con fácil moraleja que suelen ofrecernos, así que, en su lugar, a través de las películas de esta semana nos fijaremos en el conflicto interior que surge en aquellas personas que tratan de vivir conforme a sus creencias de forma sincera (en este caso, las promulgadas por el cristianismo) y las contradicciones que se revelan en el proceso, y así analizar el extraño significado humano que su sufrimiento representa, haya un dios o no.

Sangre sabia es la adaptación al cine de la extraordinaria primera novela de Flannery O’Connor. Habiendo recibido una estricta educación cristiana, Hazel Motes (Brad Dourif, perfecto en el papel) se decide a predicar un credo nihilista y fundar ‘La Iglesia sin Cristo’, sin ser capaz de reconocer que su única motivación es la de escapar de su propia fe. Dirigida por John Huston, la película suaviza ligeramente la terrible visión de O’Connor, y las ideas de algunos personajes pueden resultar confusas a quienes no hayan leído el libro; no obstante, gracias en gran medida al excelente reparto (incluyendo a Harry Dean Stanton, Amy Wright, Ned Beatty y Dan Shor) y el empleo de localizaciones y habitantes de Georgia, estado natal de la autora, el film es una de las mejores adaptaciones de una obra literaria al cine hechas por Huston, y un ejemplo de cómo permanecer fiel a la fuente original manteniendo una voz propia (O’Connor era católica, Huston ateo).

Antes de que llegue el muy diferente ‘remake’ de Werner Herzog y Nicolas Cage, no estaría de más revisar el original de Abel Ferrara y Harvey Keitel, probablemente una de las mejores aunque menos conocidas películas americanas de los 90. Teniente corrupto sigue a un agente de policía adicto a las drogas, el sexo y el juego que comienza a replantearse sus creencias religiosas al investigar el caso de una monja violada. Con tomas largas y un estilo naturalista, Ferrara da una visión de las calles de Nueva York más sórdida que cualquiera ofrecida por Scorsese, y Keitel lo da absolutamente todo en una interpretación vulnerable y sincera como pocas. Y aún dejando aparte el provocador (aunque perfectamente lógico) concepto de redención y perdón que presenta la película, quedaría uno de los retratos más estremecedores de la adicción que ha dado el séptimo arte. Con Zoë Lund, Frankie Thorn y Victor Argo.

SANGRE SABIA
Jueves 19 de noviembre, a las 15:00
en el Aula Magna (hangar)
Duración: 101 minutos

TENIENTE CORRUPTO
Viernes 20 de noviembre, a las 15:00
en el Salón de Actos ‘Juan de la Cierva’
Duración: 96 minutos

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Próxima semana: musicales modernos.

CINE LATINOAMERICANO

Sí, es cierto, intentar presentar dos películas como ejemplo de toda la producción cinematográfica de un continente entero sería una tremenda simplificación, así que lejos de pretender que las dos proyecciones de esta semana sean una muestra objetiva del cine hecho en América Latina, nuestra intención es ofrecer dos títulos que sirvan de introducción al profano y ayuden a eliminar concepciones y estereotipos falsos que puedan tenerse sobre las películas provenientes de aquellas latitudes.

Con un estilo claramente inspirado por las primeras películas de Alain Resnais así como por la literatura hispanoamericana del siglo XX, Memorias del subdesarrollo, de Tomás Gutiérrez Alea, es una de las obras maestras realizadas en los años 60. Mezclando la narrativa con el documental y el ensayo, la película analiza diversos aspectos de la historia y sociedad cubanas mientras sigue a Sergio (Sergio Corrieri), un intelectual burgués que decidió quedarse en la isla tras la revolución, y que si bien simpatiza abstractamente con sus ideales se encuentra desencantado con la realidad diaria y los cambios que ha producido en su vida.

Mucho más convencional en forma, Nueve reinas es un ejercicio de género dirigido con gran tino por Fabián Bielinsky que se beneficia del color local y aspira a ser algo más gracias al excelente trabajo de los actores (en especial Ricardo Darín, en el papel que le dio a conocer mundialmente) y a cierto giro argumental que aprovecha hechos recientes de la historia argentina. Dos timadores de poca monta (Darín y Gastón Pauls) tropiezan por casualidad con el que puede ser un golpe que arregle sus vidas; reminiscencia del cine de David Mamet, la trama se complica añadiendo constantemente ambigüedades acerca de quién es o no de fiar.

MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO
Jueves 12 de noviembre, a las 15:00
en el Aula Magna (hangar)
Duración: 97 minutos

NUEVE REINAS
Viernes 13 de noviembre, a las 15:00
en el Salón de Actos ‘Juan de la Cierva’
Duración: 109 minutos

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Próxima semana: martirio católico moderno.

WOODY ALLEN

Nuestro viejo amigo Woody no necesita presentación. Ahora bien, ¿qué películas seleccionar de entre su extensa filmografía? Dado que ciertas elecciones serían demasiado obvias, esta semana hemos optado por escoger dos títulos que rara vez son comentados al discutir su obra pero que no son en absoluto carentes de interés; mucha gente no ha visto estas películas y de hacerlo pueden llevarse una agradabilísima sorpresa.

Si no contamos como tal Lily la tigresa (película editada y doblada cómicamente a partir de un thriller japonés), Toma el dinero y corre (1969) es la ópera prima de Allen, y uno de sus filmes en los que mejor plasmó su personal sentido del humor. Colección de gags y sketches que sirve de transición entre su etapa de humorista y escritor y la de director e intérprete bien establecido, se trata de un falso documental que sigue las peripecias de Virgil Starkwell (Woody, naturalmente), un delincuente increíblemente inepto. En parte eclipsada por películas posteriores de su director, no obstante el film fue tremendamente influyente al definir el estilo predominante de las comedias de los años 70.

Variando la variación de Ingmar Bergman de Sueño de una noche de verano de Shakespeare, Sonrisas de una noche de verano, Woody Allen escribe un guión en menos de dos semanas y graba mientras grababa su película-documental Zelig, Comedia sexual de una noche de verano (1982). El resultado: una película olvidada en la filmografía del genio neoyorkino, criticada duramente en su momento, recibió los premios a peor actor para Woody y peor actriz para Mia Farrow, que además se estrenaba con Allen. Comedia sexual de una noche de verano es una película maltratada e infravalorada; en el fondo es una delicia. Una comedia ligera, rellena de humor físico, un guión elaborado, muy graciosos y con los puntos justos y necesarios de trascendencia, Allen nos quiere contar la historia de tres parejas que se juntan para pasar un fin de semana en el campo. El ambiente idílico facilita la confusión de sentimientos entre unos y otros y la cosa termina entrecruzándose hasta que la historia llega a su clímax.

TOMA EL DINERO Y CORRE
Viernes 6 de noviembre, a las 15:00
en el Salón de Actos ‘Juan de la Cierva’
Duración: 82 minutos

LA COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO
Viernes 6 de noviembre, a las 16:45
en el Salón de Actos ‘Juan de la Cierva’
Duración: 84 minutos

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
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Próxima semana: cine latinoamericano.